Waseda Weekly早稲田ウィークリー

野村先生は「劇場認知科学」がご専門とのことですが、一体どのようなことを研究されているのですか？

「認知科学」とは、記憶や推論、問題解決といった知性の働きについて研究する学問のことですが、私はその中でも、「劇場ならでは」の側面に注目して研究しています。例えば、劇場では、1人の演者のパフォーマンスに対して大勢の観客が一斉に泣いたり笑ったりしますよね。自分ではそんなに面白いと思っていなくても、笑っちゃうこともあります。その日の調子や気分などの各人の「初期状態」に関係なく、演者のパフォーマンスという「共通入力」によって同じような感情に入っていく、これは「感情の同期」と表現できます。演者と観客の間、また観客同士でどのような相互作用が生じているのかを実証的に研究するために、「劇場」はとても適した空間なのです。

野村先生ご自身は演劇とどのように関わってこられましたか。

私の場合、いわゆる演劇には精通していませんが、昔から落語が好きで、学生時代には落語研究会に入っていました。当時は心理学を専攻していたのですが、卒業論文で選んだテーマは落語。そのころから、問題意識の核心は、「落語家はどうやってうまくなっていくのか」ということでした。ただ、落語家がうまくなっていく過程を調べるためには、従来の研究方法では不足があったんです。というのも、観察者が自分の認識能力に頼って「うまさ」を測る方法では、観察者の落語を聴く経験が増すにつれて認識能力も向上していくので、長期間にわたって比較を行うことができません。そのため客観的・定量的に落語のうまさを評価することが必要でした。そこで34歳で理系の大学院に入り直し、非線形時系列解析を用いて、落語についての実証的な研究に取り組むことにしたのです。それが後に「劇場認知科学」になっていきます。

演劇や落語というと、「脚本（演目）」や「役者（噺家）」、あるいは「演出」といった側面から語られることが多い印象があるため、観客の感情の動きを捉える実証研究というのは新鮮に感じます。具体的にどのようなことに注目されているのですか？

観客の感情が湧き上がる瞬間というのは数秒から数十秒くらいですが、それを「データ」で捉えることを重視しています。例えば、観客のまばたきの「回数」を計測してみると、「これは見逃せない」という場面では、それ以外の場面に比べてまばたきの回数が減り、それが感情の動きにあわせて疎密を形成します。実験の結果、熟練した演者は、うまく観客のまばたきの疎密を作っていることが分かりました。研究対象として落語が優れているのは、落語は一人が演じるものだということです。個人を対象とした実験では、観客同士の相互作用も排除できるので、落語家の「しゃべり」にフォーカスするのに適しています。

そのようなデータを集め、分析することで、劇場における「ライブネス（ライブ感）」を捉えようとしています。ライブネスというのは、ライブ・パフォーマンスにおいて感じる「ありありとした」感覚、つまりリアリティな知覚を媒介して全身で感じられる、コミュニケーションに対する生々しい快の経験のことです。新型コロナウイルス感染症によって、この1年あまりで、ライブネスは世界中でにわかに関心を集めるようになりました。特に劇場で演劇を鑑賞することが生活の一部だった国々では、これまでは劇場で得ていたライブネスをどうすれば自宅でも再現できるのか、あるいはライブネスに替わるものをどのように作り出すのかが課題になっています。

ライブネスの存在は演劇だけでなく、私たちの日常生活においても、例えば授業がオンライン化したことで、強く意識するようになりました。

一言に「オンライン化の影響」と言われていることには、実はいくつかの要因が混ざっているので、ライブネスの問題だけで扱うことは難しい側面があります。例えば、「オンライン授業では先生がしゃべっていることが頭に入ってこない」という学生の声を聞くことがありますが、これはライブネスというより、距離の取り方の問題かもしれません。だとすれば、授業の受け方を授業形式に合わせることで解決できます。例えば、オンライン授業を受けるとき、そこが自分の部屋であっても、ジャージではなくパリッとした服装をしてみるのはどうでしょうか。オンラインとはいえ教員はパブリックなしゃべり方をするものです。それに合わせて、学生もパブリックな場での服装をしておく。そうすることでコミュニケーションのフェーズを一致させることができ、教員が話していることも頭に入りやすくなると思います。一方で、教員側が話し方に一人称や二人称を取り入れて、距離感を制御することでも、フェーズをある程度調整することが可能です。

なるほど。コミュニケーションフェーズとライブネスはまた異なる問題なのですね。受け手や語り手の工夫によって授業の伝わり方が変わってくるなんて、とても興味深いです。では、演劇にとって「オンライン化」はどのような影響をもたらすのでしょうか。

感染症対策やオンライン化によって大きく変化したものに、劇場内の「距離」があります。客席で観客が密集することは難しくなりましたし、オンライン配信と劇場では舞台と客席との距離も異なります。観客同士の距離が近いと感情も伝わりやすくなるのですが、単に距離だけが重要なのであれば、観客の間にアクリル板を挟んでも変わらないでしょう。けれども、もし身体からの放射熱を通じて、感情が伝播(でんぱ)しているのだとすればどうでしょうか？ 劇場の中で、感情の動きを伝える媒質は一体何か、実はまだ明確な答えが出ていない問題でもあります。

お話を伺っていて、あらためて劇場に足を運んでライブネスとは何かについて考えてみたくなりました。コロナの影響がなくなっても劇場に足を運ぶのはハードルが高いと感じる人もいそうです。学生にとって劇場をもっと身近なものにするにはどのような工夫が考えられますか？

神社のように、劇場が近くに住む者に開かれているという性質は重要だと思います。演劇を行うための場所として決まっているのではなくて、普段から立ち寄れる場所で時折演劇が行われる、というように場所の意味づけの順番を変えてみる。そうすれば、劇場へ立ち入る心理的なハードルも下がりますし、むしろ身内としてその場に参加できるので、演劇自体を楽しみやすいのだろうなと想像できます。学内の劇場施設にもそのような側面が導入できたら良いですね。

最後に、これから演劇や落語に触れてみようと思う早大生にメッセージをお願いします。

落語の場合、きっかけとして音源で聴くのでも良いのですが、ぜひ寄席に足を運んでみてください。劇場にはライブネスがあるというだけではありません。一度生で見てみると、落語家が実はいろいろな細かい仕草をしているのに気が付くと思います。そして、その後に音源を聴くとまた違った体験になると思います。とはいえ、初めは難しく考えず、気軽に聴きに行けば良いのです。落語にしても他の演劇にしても、「友だち」と同じで、なんとなく付き合っているうちに思いがけない側面を見つけて大好きになっていくものですから。